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拍品 106 |De Renoir à Picasso, œuvres inédites du XXe siècle d’une prestigieuse collection française
Joan Miró (1893-1983)
Personnages devant la lune
已結束2019年10月18日
成交價
EUR 490,000
更多資訊
Joan Miró (1893-1983)
Personnages devant la lune
signé, daté et titré 'Miró 1944 personnages devant la lune' (au revers)
huile, gouache et pastel sur toile libre
13 x 23 cm.
Exécuté en 1944
signed, dated and titled 'Miró 1944 personnages devant la lune' (on the reverse)
oil, gouache and pastel on unstretched canvas
5 1/8 x 9 1/8 in.
Executed in 1944
Personnages devant la lune
signé, daté et titré 'Miró 1944 personnages devant la lune' (au revers)
huile, gouache et pastel sur toile libre
13 x 23 cm.
Exécuté en 1944
signed, dated and titled 'Miró 1944 personnages devant la lune' (on the reverse)
oil, gouache and pastel on unstretched canvas
5 1/8 x 9 1/8 in.
Executed in 1944
Joan Miró (1893-1983)
Personnages devant la lune
signé, daté et titré 'Miró 1944 personnages devant la lune' (au revers)
huile, gouache et pastel sur toile libre
13 x 23 cm.
Exécuté en 1944
signed, dated and titled 'Miró 1944 personnages devant la lune' (on the reverse)
oil, gouache and pastel on unstretched canvas
5 1/8 x 9 1/8 in.
Executed in 1944
Personnages devant la lune
signé, daté et titré 'Miró 1944 personnages devant la lune' (au revers)
huile, gouache et pastel sur toile libre
13 x 23 cm.
Exécuté en 1944
signed, dated and titled 'Miró 1944 personnages devant la lune' (on the reverse)
oil, gouache and pastel on unstretched canvas
5 1/8 x 9 1/8 in.
Executed in 1944
Georges Hugnet, Paris.
Collection particulière, France (en mars 1947).
Puis par descendance au propriétaire actuel.
Collection particulière, France (en mars 1947).
Puis par descendance au propriétaire actuel.
J. Dupin, Miró, Paris, 1961, p. 532, no. 634 (illustré; technique erronée).
J. Dupin et A. Lelong-Mainaud, Joan Miró, Catalogue raisonné, Paintings, 1942-1955, Paris, 2001, vol. III, p. 62, no. 735 (illustré; technique erronée).
J. Dupin et A. Lelong-Mainaud, Joan Miró, Catalogue raisonné, Paintings, 1942-1955, Paris, 2001, vol. III, p. 62, no. 735 (illustré; technique erronée).
1944 marque, chez Miró, un retour à la peinture à l’huile après quatre années d’interruption au cours desquelles il s’est plongé avec exaltation dans la réalisation d’œuvres sur papier, notamment avec sa série des Constellations, gouaches dépeignant d’interstellaires royaumes peuplés d’êtres flottants, et considérées comme l’apogée du développement du langage pictural de l’artiste. Lors de cette année de renaissance créative exceptionnellement abondante, il reprend alors les éléments sémantiques qu’il élaborait depuis déjà plusieurs années et qu’il développe avec passion à partir de 1940, mais de façon plus clairsemée et dans des œuvres de majoritairement petit format. En outre, la réappropriation de la toile en tant que médium passe notamment chez le peintre espagnol par l’importance laissée à la texture apparente, voire à l’usure du grain, qu’il travaille comme matière brute avant d’y inscrire le détail de sa délicate composition.
Le cadre réduit de ces toiles, véritables bijoux témoins du vocabulaire personnel de l’artiste, est néanmoins le théâtre d’un univers aux dimensions cosmiques indéniables. Dans la présente œuvre en effet, la combinaison de ces personnages schématisés, oscillant entre l’homme et le monstre et dansant sous une lune verte qui se dessine dans la nuit blanche, donne naissance à ce monde aux aspects oniriques, en marge du temps. Dans ce nouveau langage, les pictogrammes semblent tantôt renvoyer à des signes abstraits, comme ces lignes sinueuses et ces étoiles aux branches achevées de billes, tantôt à un héritage de peinture rupestre et primitive, qui dit fondamentalement quelque chose de l’Homme. À l’épilogue d’une guerre destructrice et meurtrière, tandis que toute une génération souffre d’une perte effroyable de repères, ces deux figures sans autre compagnie que l’astre lunaire paraissent ainsi opérer un retour aux origines, à un état de nature. Dans le lexique pictural du peintre, les étoiles et autres nébuleuses renvoient en effet à l’intangible, l’universel, ce qui demeure, tandis que «les personnages ne révèlent rien d’autre que la possibilité de participation de l’humain au tout. Ils n’expriment aucun sentiment, aucune passion humaine; ils n’avouent que leur existence brutale, inexplicable, irréductible et presque sacrilège» (J. Dupin, Miró, Paris, 1961, p. 354).
Face à ces visages aux dents acérées ou à la bouche tordue en une sorte de rictus, on ne sait en outre si l’on assiste à une scène ressortant du registre du comique ou du tragique. Les lignes sinueuses et franches, entrecoupées de fragments de couleurs vives, pures et primaires à l’exception de cette lune verte, confèrent une énergie vibrante à l’œuvre, accentuant en parallèle la charge poétique qu’elle exerce. Particulièrement attentif à l’espace et à la composition dans ses œuvres, Miró s’attache par ailleurs à ce que chaque élément se réponde et trouve sa place pour composer un microcosme harmonieux, dans lequel l’utilisation de la couleur fait écho aux nettes lignes noires pour les faire résonner comme dans une danse rythmée. Derrière l’apparente simplicité d’exécution, ces traits au caractère presque enfantin dégagent cependant une émotion, un fort sentiment de liberté à recontextualiser dans la situation historique apocalyptique qui voit naître cette œuvre.
For Miró, 1944 marked a return to oil painting after a four-year hiatus during which he dove enthusiastically into creating works on paper, in particular with Constellations, a series of gouaches depicting interstellar kingdoms populated with floating beings and widely considered to be the peak in the development of the artist's pictorial language. During this exceptionally prolific year of creative rebirth, he revisited the semantic elements which he had already been exploring for several years and which he pursued with passion starting from 1940, but with a more sparse style and in mostly small-scale works. In addition, the Spanish painter's re-appropriation of canvas as a medium was notably characterised by the importance given to the visible texture ‒ or even the wear ‒ of the grain, which he treated as a raw material before overlaying it with the details of his delicate compositions.
Though reduced in scale, these canvases, which are veritable gems attesting to the artist's personal vocabulary, are still a window on a universe of undeniable cosmic dimensions. Indeed, in this work, the combination of these staged characters, wavering between man and monster and dancing under a green moon set against a white night, gives birth to a fantastical world on the fringes of time. In this new language, the pictograms seem sometimes to suggest abstract signs, like the sinuous lines and the stars with their circle-tipped branches, but at other times suggest a legacy of primitive rock paintings that says something fundamental about humankind. As an epilogue to a destructive, deadly war, as an entire generation suffered from the terror of losing its bearings, these two figures with no company other than the lunar body seem to be returning to their origins, to a state of nature. In the painter's pictorial lexicon, stars and other nebulous forms point to something intangible or universal that remains, whereas " the figures reveal nothing other than the human's ability to participate in everything. They convey no feeling, no human passion; they admit only their existence: inexplicable, irreducible and nearly sacrilegious" (J. Dupin, Miró, Paris, 1961, p. 354).
Confronted with these faces with their sharp teeth and mouths twisted into a sort of grin, one does not even known whether the scene is meant to be comical or tragic. The frank, sinuous lines, interspersed with fragments of pure, bright, primary colours ‒ except for the green moon ‒ give the work vibrant energy, which also emphasises the poetic charge it exerts. Miró was particularly attentive to space and composition in his works. He also sought to ensure that each element has a counterpart and its own place to compose a harmonious microcosm in which the use of colour echoes the crisp black lines to make them resonate as if in rhythmic dance. Behind the seeming simplicity of execution, these almost-childlike lines express emotion: a strong sense of freedom to be reconsidered in the historical context of the apocalyptic situation that gave rise to this work.
Le cadre réduit de ces toiles, véritables bijoux témoins du vocabulaire personnel de l’artiste, est néanmoins le théâtre d’un univers aux dimensions cosmiques indéniables. Dans la présente œuvre en effet, la combinaison de ces personnages schématisés, oscillant entre l’homme et le monstre et dansant sous une lune verte qui se dessine dans la nuit blanche, donne naissance à ce monde aux aspects oniriques, en marge du temps. Dans ce nouveau langage, les pictogrammes semblent tantôt renvoyer à des signes abstraits, comme ces lignes sinueuses et ces étoiles aux branches achevées de billes, tantôt à un héritage de peinture rupestre et primitive, qui dit fondamentalement quelque chose de l’Homme. À l’épilogue d’une guerre destructrice et meurtrière, tandis que toute une génération souffre d’une perte effroyable de repères, ces deux figures sans autre compagnie que l’astre lunaire paraissent ainsi opérer un retour aux origines, à un état de nature. Dans le lexique pictural du peintre, les étoiles et autres nébuleuses renvoient en effet à l’intangible, l’universel, ce qui demeure, tandis que «les personnages ne révèlent rien d’autre que la possibilité de participation de l’humain au tout. Ils n’expriment aucun sentiment, aucune passion humaine; ils n’avouent que leur existence brutale, inexplicable, irréductible et presque sacrilège» (J. Dupin, Miró, Paris, 1961, p. 354).
Face à ces visages aux dents acérées ou à la bouche tordue en une sorte de rictus, on ne sait en outre si l’on assiste à une scène ressortant du registre du comique ou du tragique. Les lignes sinueuses et franches, entrecoupées de fragments de couleurs vives, pures et primaires à l’exception de cette lune verte, confèrent une énergie vibrante à l’œuvre, accentuant en parallèle la charge poétique qu’elle exerce. Particulièrement attentif à l’espace et à la composition dans ses œuvres, Miró s’attache par ailleurs à ce que chaque élément se réponde et trouve sa place pour composer un microcosme harmonieux, dans lequel l’utilisation de la couleur fait écho aux nettes lignes noires pour les faire résonner comme dans une danse rythmée. Derrière l’apparente simplicité d’exécution, ces traits au caractère presque enfantin dégagent cependant une émotion, un fort sentiment de liberté à recontextualiser dans la situation historique apocalyptique qui voit naître cette œuvre.
For Miró, 1944 marked a return to oil painting after a four-year hiatus during which he dove enthusiastically into creating works on paper, in particular with Constellations, a series of gouaches depicting interstellar kingdoms populated with floating beings and widely considered to be the peak in the development of the artist's pictorial language. During this exceptionally prolific year of creative rebirth, he revisited the semantic elements which he had already been exploring for several years and which he pursued with passion starting from 1940, but with a more sparse style and in mostly small-scale works. In addition, the Spanish painter's re-appropriation of canvas as a medium was notably characterised by the importance given to the visible texture ‒ or even the wear ‒ of the grain, which he treated as a raw material before overlaying it with the details of his delicate compositions.
Though reduced in scale, these canvases, which are veritable gems attesting to the artist's personal vocabulary, are still a window on a universe of undeniable cosmic dimensions. Indeed, in this work, the combination of these staged characters, wavering between man and monster and dancing under a green moon set against a white night, gives birth to a fantastical world on the fringes of time. In this new language, the pictograms seem sometimes to suggest abstract signs, like the sinuous lines and the stars with their circle-tipped branches, but at other times suggest a legacy of primitive rock paintings that says something fundamental about humankind. As an epilogue to a destructive, deadly war, as an entire generation suffered from the terror of losing its bearings, these two figures with no company other than the lunar body seem to be returning to their origins, to a state of nature. In the painter's pictorial lexicon, stars and other nebulous forms point to something intangible or universal that remains, whereas " the figures reveal nothing other than the human's ability to participate in everything. They convey no feeling, no human passion; they admit only their existence: inexplicable, irreducible and nearly sacrilegious" (J. Dupin, Miró, Paris, 1961, p. 354).
Confronted with these faces with their sharp teeth and mouths twisted into a sort of grin, one does not even known whether the scene is meant to be comical or tragic. The frank, sinuous lines, interspersed with fragments of pure, bright, primary colours ‒ except for the green moon ‒ give the work vibrant energy, which also emphasises the poetic charge it exerts. Miró was particularly attentive to space and composition in his works. He also sought to ensure that each element has a counterpart and its own place to compose a harmonious microcosm in which the use of colour echoes the crisp black lines to make them resonate as if in rhythmic dance. Behind the seeming simplicity of execution, these almost-childlike lines express emotion: a strong sense of freedom to be reconsidered in the historical context of the apocalyptic situation that gave rise to this work.
Artist's Resale Right ("droit de Suite").
If the Artist's Resale Right Regulations 2006 apply to this lot, the buyer also agrees to pay us an amount equal to the resale royalty provided for in those Regulations, and we undertake to the buyer to pay such amount to the artist's collection agent.